Le meilleur classique contemporain sur Bandcamp : mai 2023

La taxonomie de la musique classique contemporaine – musique nouvelle, musique contemporaine, peu importe comment vous voulez l’appeler – est une question épineuse. Mais chaque mois, nous examinerons certaines des meilleures musiques de compositeurs qui font surface ici sur Bandcamp, celles qui font place à l'expérimentation électronique, à l'improvisation et aux versions puissantes de vieux classiques.

La plupart des musiques que j'ai entendues précédemment par la compositrice islandaise Anna Thorvaldsdottir ont livré des représentations sublimes du monde naturel, non seulement sonore, mais également de l'atmosphère physique et de la topographie. La plage dynamique a permis d'entendre les sons les plus petits et les plus fragiles ainsi que les grondements tonitruants qui semblent émaner du noyau même de la Terre. En évoquant un certain paysage, elle plonge simultanément dans les états mentaux inhérents, conditions qui pourraient être bien décrites par des phénomènes naturels.

Les deux œuvres orchestrales récentes abordées sur cet album par l'Orchestre Symphonique d'Islande, dirigé par Eva Ollikainen, magnifient l'esthétique de Thorvaldsdottir, alors qu'Ollikainen déploie la puissance de feu massive de l'orchestre pour mettre en relief le vocabulaire fragile et délicat de Thorvaldsdottir. Lorsque ARCHORA s'ouvre sur 20 minutes, il y a des basses violentes et massives qui suggèrent des branches d'arbre fouettant dans un vent balayé par la pluie, tandis qu'un magnifique groupe de cordes descendantes signale une sorte de terreur plus générale qui semble cyclonique. L'AIŌN en trois mouvements s'éloigne encore plus de l'œuvre précédente, avec une méditation abstraite sur différentes itérations du temps ; la musique bascule entre les vues micro et macro, comme une sorte d'expérience VR auditive. Les arrangements de Thorvaldsdottir embrassent les possibilités physiques d'un orchestre d'une manière à la fois exaltante et terrifiante.

L'expérimentateur chevronné Ben Vida a passé quatre ans à développer les cinq morceaux de cette œuvre fascinante avec la pianiste Laura Barger et le percussionniste Russell Greenberg du Yarn/Wire de New York, et les résultats mettent du temps à s'enfoncer dans la conscience. Cette combustion lente a du sens compte tenu des détails des textes de Vida, qu'il récite dans une sorte de chant au rythme incessant – bien qu'en constante évolution – en tandem avec la chanteuse Nina Dante. À première vue, le chant semble plat et impassible, mais avec le temps, il gagne en résonance, d'autant plus que l'on commence à comprendre le phrasé et le jeu rythmique en constante évolution. À la fin, les performances de Vida et de Dante sont clairement virtuoses.

Le sens des textes semble volontairement flou, avec des bribes de compréhension émergeant au fil du temps ou certaines phrases se détachant et ayant un impact insaisissable. Tout aussi patiemment, le paysage sonore minimaliste de Yarn/Wire se révèle, avec de nouveaux détails suintant des motifs cycliques du piano et du vibraphone mesure par mesure. Il y a des harmonies vocales sans paroles flottant au loin sur « Who's Haunting Who Here ? » La note régulière du piano de la main gauche dans « Drawn Evening » joue un rôle directionnel, ancrant un paysage sonore spacieux et lent qui ouvre la partie la plus délicate et la plus stérile de l'album, même s'il se fond profondément dans le mix et que son rythme est passé à une cymbale. Le Beat My Head Hit ne ressemble à rien de ce que j'ai entendu depuis longtemps, et si mon écoute jusqu'à présent est une indication, il a beaucoup plus de secrets à abandonner à l'avenir.

Cet étonnant double CD rassemble deux interprétations, enregistrées en 2006 à Paris et en 2020 à Los Angeles, de Naldjorlak par le violoncelliste Charles Curtis, qui a collaboré sur cette pièce avec la singulière compositrice française Éliane Radigue en 2005. Après avoir passé des décennies à créer de la musique électronique, ce epic est devenue sa première composition pour instrumentation acoustique. Le duo a construit la musique autour du « ton de loup » du violoncelle, lorsqu'une hauteur particulière active les fréquences de résonance du corps en bois de l'instrument, devenant extrêmement instables et libérant toutes sortes de sons que la musique occidentale conventionnelle a cherché à bannir parce qu'ils les considèrent comme impur et distrayant. Plutôt que d'éviter cet effet sonore remarquable, Curtis et Radigue ont développé une pièce entière qui explore le son du loup sur toute la tessiture de l'instrument, en accordant trois des cordes de l'instrument sur cette zone de hauteur, tout en ajustant la quatrième pour projeter ces fréquences volatiles sur la tonalité. cordier métallique de violoncelle.